Sous le regard d’un soleil noir

À mes fils et à leur mère

Il est ici question d’une ‘forme particulière de la tragédie humaine’. Espace de l’insécurité ontologique, de la perte du réel, de la déstructuration de l’être et de l’éclatement de sa personalité, où se construit un univers d’implacable enfermement: celui de la schizophrénie.

Il ne s’agit pas, on s’en doute, d’une réflexion scientifique. Les ‘commentaires cliniques’ qui jalonnent l’œuvre — ces gloses d’un thérapeute/coryphée (d’ailleurs non dépourvues de tendresse) — ne font qu’introduire la distance, ménageant les césures qui épargneront le pathos au pathétique, et à notre regard, le voyeurisme.

Lecture poétique d’un texte qui n’a pas vocation à l’être mais dont les images s’imposent par le poids du message et le tranchant des mots. Aussi ai-je pris le parti de l’intelligibilité, ne provoquant des brouillages sémantiques qu’en écho à l’apparente déroute verbale, compagne obscure du délire.

Sous le regard d’un soleil noir est l’histoire d’un naufrage: dérive hallucinée à travers un paysage obsessionnel dont la note si est l’obsédant personnage, axe tonique qui cimente entre elles les huit sections. véritable ostinato, ‘Invention sur un ton’: le souvenir de Wozzeck se profile alors et le symbole d’un homme qui, dit Jacques Drillon, «se noie dans le lac parce qu’il a atteint le point d’inexistence sociale et intérieure au-delà duquel il n’y a pas de retour possible».

Peut-être, cependant, le voyage n’est-il pas achevé qui consiste, comme le propose Laing, à aller de l’extérieur vers l’intérieur, de la vie vers ‘l’expérience’ de la mort, du mouvement vers l’immobilité…

… puis à parcourir le chemin en sens inverse à la rencontre d’une renaissance existentielle.

Les huit sections de cette pièce ont été inspirées par la lecture de l’œuvre du psychiatre et psychanalyste Ronald D Laing. Les textes sont empruntés (avec la gracieuse autorisation de l’auteur et des Éditions Stock — traduction française de Claude Elsen) aux trois livres La politique de l’expérience, Nœuds, et — surtout — Le moi divisé.

La version originale de Sous le regard d’un soleil noir a été réalisée en 1979-80 dans les studios de la Faculté de musique de l’Université de Montréal et en novembre/décembre 1981 dans les studios de l’Ina-GRM (Paris, France) pour la section 6, Citadelle intérieure, ajoutée à la version initiale. Sous le regard d’un soleil noir a été créée le 3 février 1981, à l’Université de Montréal et a été présentée au 11^e Festival international des musiques expérimentales de Bourges (France) le 14 juin 1981. La section 6, Citadelle intérieure, est une commande de l’Ina-GRM (Paris, France). La composition de cette pièce a bénéficié d’une bourse d’Aide à la création du ministère de la Culture et de la Communication, direction de la musique (France, 1979) ainsi que de l’aimable invitation de la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Sous le regard d’un soleil noir a obtenu le 1^er Prix de la catégorie musique à programme au 9^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges (France, 1981). Les voix enregistrées sont celles de Arthur Bergeron, Marthe Forget et Pierre Louet.

Création

• 3 février 1981, Concert, Salle 1020 — Faculté de musique — Pavillon Marguerite-d’Youville — Université de Montréal, Montréal (Québec)
• 28 mars 1983, Création de la version définitive: Cycle acousmatique 1983: Concert 10, Grand Auditorium — Maison de Radio France, Paris (France)

Distinctions

• 1^er prix, Prix de la musique électroacoustique à programme, 9^e Concours international de musique électroacoustique de Bourges 1981, Bourges (Cher, France)

Forêt profonde

À ma mère

Forêt profonde est un mélodrame acousmatique d’après l’essai de Bruno Bettelheim Psychanalyse des contes de fées (The Uses of Enchantment: The Meaning and Importance of Fairy Tales, traduit de l’américain par Théo Cartier, Éditions Robert Laffont, Paris 1976) dont voici la troisième version; version profondément modifiée et dont la durée est presque doublée par rapport aux versions précédentes. Forêt profonde est une œuvre qui m’habite depuis près de quinze ans et dont la réalisation finale m’a demandé plus de deux années.

Entreprise treize ans après Sous le regard d’un soleil noir, Forêt profonde s’inspire, elle aussi, d’une réflexion psychanalytique. Lecture adulte de contes pour enfants qui oscille entre le souvenir de mes émerveillements naïfs et la découverte de leurs mécanismes secrets. Peut-être cette hésitation entre deux âges présente-t-elle le risque de ne s’adresser ni à l’un, ni à l’autre; mais il se peut néanmoins que l’intuition magique de l’enfance, qui en nous ne dort jamais que d’un œil, rappelle des révélations enfouies et que l’esprit rationnel prenne plaisir à déchiffrer, sous le contenu manifeste de cet inconscient universel, la logique de son contenu latent.

Il s’agit d’une écoute à trois niveaux — romanesque, symbolique, musical — plus déconcertante, sans doute, mais plus active que l’écoute unidimensionnelle.

La trajectoire humaine de Bruno Bettelheim, dont la réflexion est à l’origine de ce parcours en étoile, interfère, pour des raisons évidentes, avec ces histoires de jadis qui nous questionnent sur notre époque.

Visite guidée de l’âme enfantine qui n’est, à vrai dire, qu’un retour au monde initiatique — à la fois cruel et rassurant — des contes de fées.

Forêt profonde comporte 13 sections dont les six Chambres (sections 1, 3, 6, 8, 10, 12) sont des périodes / lieux de transit, sortes de passages secrets entre les sept sections thématiques (sections 2, 4, 5, 7, 9, 11, 13). Ces Chambres ne comportent pas ou peu de texte.

Chacune des 13 sections emprunte un bref élément, une couleur, un ‘esprit’, à l’une des 13 Kinderszenen (Scènes d’enfants) op 15 de Schumann, en hommage à ce compositeur pathétique, happé par la profondeur de sa forêt.

Je remercie Inés Wickmann Jaramillo de m’avoir offert une poétique prise de son colombienne ainsi que Beatriz Ferreyra qui m’a si amicalement permis de lui emprunter un court mais savoureux extrait de son Petit Poucet magazine (1985).

Forêt profonde est une commande de l’État (Direction de la musique, France) et de l’Ina-GRM (Paris). Sa composition a bénéficié d’une Bourse A pour artistes du Conseil des arts du Canada (CAC). La plupart des matériologies et traitements ont été obtenus grâce au système de synthèse sonore en temps réel SYTER de l’Ina-GRM et l’œuvre a été réalisée au studio du compositeur à Montréal (Québec). La présente version, définitive, a été créée le 8 juin 1996 lors d’un concert produit par l’ACREQ (Association pour la création et la recherche électroacoustiques du Québec) à l’Usine C à Montréal. Les deux premières versions (36:00 et 37:00) avaient été créées respectivement à Paris le 16 mai 1994 au Cycle acousmatique Son-Mu de l’Ina-GRM, Salle Olivier Messiaen de la Maison de Radio France (Paris, France) et le 1^er septembre 1995 au Festival d’art acousmatique Futura à Crest (France).

dans le cadre de ses Prix de Printemps 2007, la Sacem lui attribue le «Prix de la meilleure création contemporaine électroacoustique».

Création

• 16 mai 1994, Cycle acousmatique Son-Mu 94: Concert, Salle Olivier Messiaen — Maison de Radio France, Paris (France)
• 1 septembre 1995, Futura 95: Concert portrait 3, Salle municipale, Crest (Drôme, France)
• 8 juin 1996, Création de la version définitive: Francis Dhomont: en deux temps trois mouvements, Usine C, Montréal (Québec)

Distinctions

• Prix de la meilleure création contemporaine électroacoustique, Prix de Printemps de la SACEM 2007, France

Le cri du Choucas

À mon père (celui qui manqua à Franz)

Conçu dès 1997 et lentement mûri, Le cri du Choucas constitue le troisième et dernier volet de mon «Cycle des profondeurs», les deux premiers volets de ce long triptyque — environ trois heures — étant Sous le regard d’un soleil noir (1981) et Forêt profonde (1994-96) dont quelques rappels apparaissent dans le présent volet. Il s’agit de trois «mélodrames électroacoustiques» (Michel Chion) inspirés par une approche psychanalytique; ici, celle de Marthe Robert — critique littéraire, traductrice et psychanalyste — et particulièrement de son pénétrant essai, Seul, comme Franz Kafka (1979). Car, comme le remarquait Pierre Schaeffer: «[…] comment ne pas s’interroger sur l’élaboration même du musical, qui relie assez mystérieusement la psychologie des perceptions à celle des profondeurs?» et, a fortiori, sur la genèse de cette musique perceptive qu’est l’acousmatique, «psychologie des profondeurs» n’étant que l’autre nom de la psychanalyse.

Le cri du Choucas, pourquoi ce titre? Kavka est le nom tchèque du choucas, sorte de corbeau, dont l’effigie servait d’ailleurs d’enseigne au magasin de Hermann Kafka, père de Franz. Kafka disait lui-même: «Je suis un choucas, un kavka désemparé». La symbolique animale, très présente chez Kafka, m’a suggéré ce rapprochement et ce titre: cri profond, solitaire, insolite, jamais emphatique et souvent étouffé, qui se fait entendre dans chaque récit de cet auteur, fût-il fragmentaire.

Devant la loi, texte fameux du Procès, constitue le fil rouge de l’œuvre, la Loi étant ici une représentation métaphorique des domaines impénétrables auxquels se heurte le questionnement humain et non — comme la vulgate et l’adjectif «kafkaïen» réduisent généralement la pensée complexe de Kafka — la peinture d’aberrations bureaucratiques. C’est surtout «[…] ce à quoi il n’est pas question d’échapper»: une entrée dans la «connaissance» est ici spécialement ouverte pour l’homme qui se présente mais elle lui est en même temps interdite. Sa question — métaphysique — reste donc sans réponse. Symétriquement, un message essentiel lui est adressé qui ne lui parviendra jamais. «Dans La colonie pénitentiaire, écrit Marthe Robert, Kafka réduit la loi à n’être plus qu’un pouvoir coercitif démesuré, ayant pour seule fonction l’application automatique du châtiment».

Cette longue œuvre a été précédée de quatre Études pour Kafka qui constituent, avec de nouveaux éléments, le matériel musical de ce mélodrame. Mais il apparaît dans une organisation différente car il obéit à une scénarisation que souligne la présence de textes de-et-sur Kafka dits par des voix multiples, connues, anonymes ou métamorphosées.

Parmi les thèmes abordés dans cette œuvre: la Loi, la culpabilité, le père, la solitude, le rêve, les messages impossibles, la mort. Extraits, par ordre d’apparition, de Le procès, La colonie pénitentiaire, Lettre au père, Le verdict, Journal, Lettres à Felice, Le terrier, Un message impérial, La métamorphose.

[i-16]

Le cri du Choucas a été réalisée au studio du compositeur en Avignon (France) et a été créée le 15 octobre 2014 au Théâtre Marni dans le cadre du festival L’Espace du son à Bruxelles (Belgique). Elle est une commande de Musiques & Recherches (Ohain, Belgique). La pièce a reçu, pour ses longues recherches, une subvention du Conseil des arts du Canada (CAC) en 1997. Les textes originaux de Franz Kafka ont fait l’objet d’une nouvelle traduction française par Francis Dhomont. Voix enregistrées: Martin Engler, Marthe Forget, Tom Goldschmit, Pierre Louet, Marthe Robert, Hans Tutschku, Annette Vande Gorne, Marie-Jeanne Wyckmans et quelques citations anonymes. Remerciements chaleureux pour leur fine écoute, leur aide et leurs conseils éclairés, à: François Bayle, Gilles Gobeil, Hans Tutschku, Annette Vande Gorne et Inés Wickmann.

Création

• 15 octobre 2014, L’Espace du son 2014: Création mondiale de Francis Dhomont, Théâtre Marni, Bruxelles (Belgique)
• 5 juin 2015, Création de la version du printemps 2015: Klang! électroacoustique 2015: Concert 3: Around the World, Salle Pétrarque — Hôtel de Varennes, Montpellier (Hérault, France)
• 28 avril 2016, Création de la version définitive (automne 2015): T-Son 2016: T-Son 90: Kafka Revisitado, Teatro Maria de Lourdes Sekeff — Instituto de Artes da Unesp, São Paulo (Brésil)